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Les années 1990 ont été une décennie dynamique et inventive pour la musique. Dirigée par des artistes tels que Nirvana, Soundgarden et Pearl Jam, l’explosion du grunge a façonné à la fois la musique et la mode, alors que les chemises en flanelle et les cheveux longs sont devenus à la mode, et Seattle est soudainement devenue l’épicentre musical de la planète. D’un autre côté, les charts pop ont commencé à se remplir d’une surabondance de groupes de chants et de danses, avec des groupes comme Backstreet Boys, * NSYNC et New Kids on the Block vendant des millions de CD tandis que leurs beaux visages jeunes apparaissaient sur t- chemises, boîtes à lunch et poupées de style Barbie.
Les années 90 ont également introduit une récolte de merveilles à un coup, des artistes qui sont instantanément devenus des superstars grâce à un single à succès massivement populaire, pour ensuite disparaître dans l’obscurité tout aussi rapidement. Ces artistes couvraient divers genres, du rock à la pop en passant par les numéros de nouveauté – rappelez-vous quand « The Macarena » est devenu une chose, ou quand une paire de frères chauves se faisant appeler Right Said Fred scandant « I’m Too Sexy » a fait chanter et danser tout le monde. ?
Il n’y avait pas de pénurie de ces stars éphémères à cette époque, alors lisez la suite pour découvrir ce qui est arrivé à ces merveilles uniques des années 90.
Glace vanille
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Vanilla Ice a fait forte impression avec le premier single de son premier album de 1990 « To the Extreme », un remake rap de « Play That Funky Music White Boy », à l’origine un hit de 1976 pour Wild Cherry (une merveille des années 70) . Alors que cette chanson a atteint la quatrième place du Billboard Top 100, c’est le deuxième single de l’album, « Ice Ice Baby », qui a vraiment mis Vanilla Ice (vrai nom : Rob Van Winkle) sur la carte musicale, atteignant la première place et vendant 15 millions d’exemplaires pour devenir le single de rap le plus vendu de tous les temps.
Construit sur la ligne de basse et le groove de batterie distinctifs de la collaboration Queen-David Bowie « Under Pressure », « Ice Ice Baby » est peut-être l’un des meilleurs exemples de la capacité du rap à prendre un tube existant et à le transformer en un tout nouveau tube. Cela l’a également propulsé dans les films en tant que star de « Cool as Ice » de 1991, un film qui a conduit à des débats féroces parmi les critiques de cinéma pour savoir si c’était son jeu d’acteur ou le film lui-même qui était pire.
Sa carrière cinématographique morte à l’arrivée, la carrière musicale de Vanilla Ice a suivi; les singles suivants ont à peine percé le Top 100, tandis que ses prochains albums ont échoué. Il a finalement cherché du réconfort dans la télé-réalité en rejoignant le casting de « The Surreal Life » en 2004. D’autres émissions de téléréalité ont suivi, notamment « The Farm », « Remaking Vanilla Ice », « Celebrity Bull Riding Challenge » (oui, ça existait réellement) , « Dancing on Ice », « Vanilla Ice Goes Amish », « The Vanilla Ice Project » de DIY Network et « Dancing With the Stars ».
Marc Cohn est entré dans le succès
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À la fin des années 1980 et au début des années 1990, la montée en puissance de la radio destinée aux adultes (AOR) ne pouvait être ignorée, dominée par Michael Bolton, Wilson Phillips, Bruce Hornsby et leurs semblables. En 1991, Marc Cohn a écrasé la fête avec « Walking in Memphis », qui a grimpé au n ° 13 et l’a amené à remporter le prix du meilleur nouvel artiste Grammy en 1992. La chanson avait des jambes, ensuite reprise par des artistes allant de Cher à Paul Anka, son succès faisant de lui une merveille à succès unique lorsque les offres musicales ultérieures n’ont pas réussi à se classer.
Pourtant, l’auteur-compositeur-interprète a beaucoup tiré parti de cette chanson et il a continué à enregistrer et à tourner dans les années qui ont suivi. En 2005, Cohn se rendait à son hôtel après un concert à Denver lorsqu’il a été victime d’un détournement de voiture et d’une balle dans la tête à bout portant. Heureusement, la balle n’a pas pénétré son crâne et il n’a subi que des blessures mineures. Le carjacker a finalement été condamné à 36 ans derrière les barreaux.
Cohn a de nouveau fait la une des journaux en 2022, lors du mariage de Jennifer Lopez et Ben Affleck. « Ben et moi avons parlé de « True Companion » de Marc Cohn comme de la chanson d’amour de mariage parfaite dans cette même maison il y a plus de 20 ans. Bien que Ben ne le sache pas, j’ai demandé à Marc de le surprendre en la chantant à notre mariage et il était charmant et généreux à venir », a déclaré Lopez à People. Comme Cohn l’a écrit sur Instagram, « C’était vraiment une célébration magique et j’étais ravi d’être là. »
4 Non Blondes savaient ce qui se passait
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« What’s Up » est sorti en 1993, le deuxième single du premier album de 4 Non Blondes, « Bigger, Better, Faster, More! » L’attrait hymne du morceau était évident lorsqu’il a généré 1,7 million de ventes d’albums et passé plus d’un an dans les charts. Pour la chanteuse principale et compositrice de la chanson, Linda Perry, l’apogée est survenue lorsque le groupe s’est produit aux Billboard Music Awards de 1993, cristallisant le moment où elle a réalisé que le groupe avait réussi. « C’était une fête », a-t-elle déclaré à Billboard. « J’ai rencontré Sean Penn – quel high c’était – et Stephen Dorff a volé mon chapeau et mes lunettes de protection et courait partout en les portant … Alan Thicke s’est assis derrière moi et m’a fait le plus gros câlin après notre performance. Il a dit: ‘Toi’ J’ai quelque chose, gamin.' »
Les ambitions de Perry étaient grandes et en 1995, elle quitta le groupe et sortit son premier album solo, « In Flight » en 1996. Elle est également devenue l’une des meilleures compositrices et productrices d’autres artistes, co-écrivant et produisant huit chansons sur le méga hit de Pink en 2001 « M! Parton, Adele, Courtney Love, Weezer, Alicia Keys, et plus encore. En 2014, Perry a épousé l’ancienne « Roseanne » Sara Gilbert; ils ont divorcé en 2019.
Toujours en 2014, Perry a retrouvé les membres de 4 Non Blondes pour une performance d’une nuit seulement au profit du LA Gay & Lesbian Center. En 2021, le groupe a célébré une étape importante lorsque « What’s Up » a dépassé le milliard de vues sur YouTube.
Spin Doctors a chanté à propos de Two Princes (non, pas William et Harry)
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En 1991, le groupe de jam basé à New York, Spin Doctors, a sorti son premier album, « Pocketful of Kryptonite », se vendant initialement à 60 000 exemplaires respectables, principalement à leur base de fans néo-hippie et jam-band. Un effort populaire, lancé à la radio du Vermont, ils ont commencé à jouer le single « Little Miss Can’t Be Wrong », déclenchant un mouvement inattendu qui a fait de la chanson, à un moment donné, la demande radio la plus demandée en Amérique. À la fin de 1992, le morceau avait atteint la 17e place du Top 100 de Billboard, où il est resté pendant 20 semaines.
Le deuxième single, « Two Princes », est sorti au début de 1993 et a fait encore mieux en atteignant le n ° 7, restant dans les charts pendant 29 semaines tout en remportant une nomination aux Grammy Awards tandis que l’album devenait triple platine. Leur album de suivi s’est bien vendu – mais pas aussi bien que le premier – tandis que les luttes intestines au sein du groupe se sont intensifiées.
Lorsque leur troisième album, sorti en 1996, s’est vendu à 75 000 exemplaires dérisoires, ils ont été abandonnés par leur label. Le groupe a continué, mais lorsque le leader Chris Barron a été frappé par une rare paralysie des cordes vocales en 1999, Spin Doctors a fait une pause qui a duré jusqu’en 2005, se poursuivant sporadiquement par la suite. Dans une interview de 2022 avec Creem, Barron a parlé de sa relation avec le plus grand succès du groupe. « Les gens sont comme, vous en avez jamais marre de jouer à ‘Deux Princes?’ Permettez-moi de reformuler cela pour vous : Est-ce que je suis fatigué de voir les gens devenir fous quand je joue une chanson que j’ai écrite ? Non, je ne le fais pas », a-t-il déclaré.
Il n’a pas plu sur le défilé de Blind Melon
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Quiconque a regardé MTV en 1993 aura certainement des souvenirs du clip « No Rain » de Blind Melon, mettant en scène une adorable petite fille dansant maladroitement tout en étant déguisée en bourdon. Regroupé avec la scène grunge de Seattle qui a produit Nirvana, Pearl Jam et Soundgarden, Blind Melon est en fait originaire de Los Angeles. Leur premier single était doux et folk, avec une qualité indéniable de chant qui a propulsé le morceau à la position n ° 1 dans Graphique alternatif de Billboard. Leur deuxième album, « Soup » de 1995, a eu beaucoup moins de succès.
Néanmoins, Blind Melon avait été oint comme la prochaine grande chose et semblait avoir le talent pour être à la hauteur du battage médiatique. Derrière le succès, cependant, des fissures se forment. Le chanteur Shannon Hoon, charismatique et brillant à tous points de vue, luttait également contre la toxicomanie. Après une tentative ratée de cure de désintoxication, en 1995, Hoon a été retrouvé mort dans le bus de tournée du groupe à la Nouvelle-Orléans. La cause du décès a finalement été déterminée comme étant une crise cardiaque, provoquée par une surdose de cocaïne. Il avait 28 ans.
La mort de Hoon a placé le groupe sur le territoire de la merveille à un coup, bien qu’il y ait eu une tentative de ressusciter Blind Melon des années plus tard. En 2006, 11 ans après le décès de Hoon, les membres survivants du groupe ont recruté un nouveau chanteur et enregistré un autre album. Cet album, sorti en 2008, n’a eu aucun impact et s’est avéré être le dernier clou du cercueil de Blind Melon.
Mmm … mannequins de crash test
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Sans doute l’un des succès les plus improbables des années 1990, « Mmm Mmm Mmm Mmm » a propulsé le quintet canadien Crash Test Dummies vers la célébrité internationale. Malgré sa mélodie lente et obsédante, ses paroles décalées (sur les enfants atteints de diverses anomalies physiques) et le baryton profond du leader Brad Roberts, la chanson a passé 24 semaines impressionnantes sur le palmarès Billboard Hot 100, atteignant un sommet de n ° 4 après son sorti en 1994. Alors que le groupe a maintenu sa popularité dans son Canada natal, au moins pendant un certain temps, ce n’était pas le cas aux États-Unis, avec « Mmm Mmm Mmm Mmm » restant le point culminant. Lorsque les versions suivantes n’ont pas eu d’impact sur les auditeurs, le groupe s’est séparé en 2001.
En 2018, pour célébrer le 25e anniversaire de leur premier album, « God Shuffled His Feet », Crash Test Dummies s’est réuni pour une tournée. En repensant au bref séjour du groupe au sommet, la chanteuse Ellen Reid a crédité le succès de cette chanson pour avoir fourni des expériences extraordinaires. « Certains des moments forts ont été lorsque Weird Al a repris l’une de nos chansons. C’était comme ok, nous l’avons fait! Aller dans des endroits intéressants comme Shanghai et l’Afrique du Sud. C’était vraiment de grandes opportunités. Certains des autres musiciens que nous ‘ avec qui j’ai joué étaient impressionnants. Très peu de gens peuvent faire et voir ce que nous avons fait », a-t-elle partagé. « En gros, ça fait 30 ans qu’on a des fers à cheval dans les fesses ! Tout va bien ! »
Le coup de l’OMC n’était pas bizarre
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« How Bizarre » est l’une de ces chansons qui sont sorties de nulle part, le premier single de l’album du même nom de 1995, sorti par un groupe néo-zélandais appelé OMC. Acronyme d’Otara Millionaires Club, le groupe a été fondé par Phillip Fuemana, fondateur du label indépendant basé à Auckland Urban Pacifika Records. C’est son petit frère, Pauly Fuemana, cependant, qui a pris les devants, et au moment où « How Bizarre » est sorti, OMC était essentiellement un groupe composé uniquement de Pauly. Entraînant et mémorable, « How Bizarre » a raconté une rencontre malheureuse avec la police et a fini par atteindre le n ° 1 du Top 40 de Billboard, restant sur la liste pendant plus de 30 semaines.
Fuemana a produit plus de musique OMC, mais n’a jamais été près de retrouver le succès de « How Bizarre ». Après s’être éloigné de l’industrie de la musique, en 2006, il a déclaré faillite. L’année suivante, il a tenté un retour avec la sortie du single « 4 All of Us » de l’OMC, une collaboration avec sa compatriote Kiwi Lucy Lawless de « Xena: Warrior Princess ». Le single bombardé.
Quelques années plus tard, en 2010, Fuemana est décédée à l’âge de 40 ans d’une insuffisance respiratoire causée par une maladie auto-immune. Plus d’une décennie plus tard, « So Bizarre » a réintégré la culture pop via la source la plus improbable : TikTok. Comme l’a rapporté le New Zealand Herald, le hashtag #HowBizarre a fini par générer plus de 2 milliards de vues sur la plateforme de médias sociaux.
Tout le monde a sauté sur Hanson
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Les vers d’oreille de la musique pop n’ont pas plus de vers d’oreille que « MMMBop », le single de 1997 qui a passé trois semaines au n ° 1 et a annoncé l’arrivée de Hanson. Le groupe – composé des frères Isaac Hanson, Taylor Hanson et Zac Hanson – a invité des comparaisons avec les rockers de la sitcom télévisée The Partridge Family, compte tenu de leur âge à l’époque (16, 13 et 11 ans, respectivement). Comme Isaac l’a dit à Songfacts, les origines de « MMMBop » étaient peu propices. « Cette chanson a commencé comme la partie de fond d’une autre chanson », a-t-il expliqué. « C’est quelque chose sur lequel nous avons failli tomber. »
Leur single suivant, « I Will Come to You », a été un succès modeste, même pas dans la même ligue que « MMMBop ». Alors que Hanson a ensuite disparu des charts, le groupe a continué à sortir des albums au cours des décennies suivantes, formant leur propre label indépendant en 2003. Les frères ont également plongé leur orteil collectif dans le secteur de la bière artisanale en lançant Hanson Brothers Beer.
En 2023, Hanson est réapparu avec une nouvelle version de leur hit signature, « MMMBop 2.0 », une collaboration avec le groupe pop-punk britannique Busted, greffant un son plus lourd sur la mélodie si familière. « Ce fut un plaisir de réinventer » MMMBop « avec Busted et de voir comment une chanson avec une telle histoire prend vie d’une nouvelle manière », a déclaré Taylor Hanson dans un communiqué publié sur le site Web de Hanson. « C’est une véritable fusion de Hanson et Busted, nous avons hâte de la partager. » Pendant ce temps, la musique n’était pas la seule chose que les frères étaient prolifiques à produire; à eux trois, ils ont au total 15 enfants.
Rusted Root étaient en route
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En 1992, Rusted Root, basé à Pittsburgh, a sorti son premier album, « Cruel Sun », une sortie indépendante qui a eu suffisamment de succès pour leur décrocher un contrat avec un label majeur pour leur deuxième album, « When I Woke ». Cet album a engendré le single « Send Me on My Way », qui n’a pas eu beaucoup d’impact sur les charts, culminant au n ° 51, tandis que le groupe a continué avec son pain et son beurre en tant qu’interprètes live.
« Send Me on My Way », modeste tube qu’il était, avait une endurance inattendue. Découverte par Hollywood, la chanson a fini par apparaître dans une série de films et d’émissions de télévision, dont « Matilda » et « Party of Five ». C’est cependant l’inclusion de la chanson dans « Ice Age » en 2002 qui a donné à la chanson – et, par extension, au groupe – un nouveau souffle, les gardant tous deux ancrés dans la conscience de la culture pop bien plus longtemps que cela ne l’aurait été normalement. cas.
En 2018, le leader/guitariste/compositeur de Rusted Root, Michael Glabicki, a déclaré au Pittsburgh Post-Gazette que le groupe était en pause et qu’il était en train d’enregistrer un album solo. L’année suivante, Glabicki s’est associé au guitariste principal de Rusted Root, Dirk Miller, pour former leur propre groupe, prenant le nom adjacent à Rusted Root, Uprooted. Comme Glabicki l’a dit à la Post-Gazette, la chanson qui a maintenu le groupe sur la route pendant toutes ces années ne devait pas être un succès. « Je suppose que cela arrive à beaucoup de gens qui ont un gros succès, ils l’écrivent en cinq minutes environ », a-t-il réfléchi.
Natalie Imbruglia était déchirée par la musique
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Avant de lancer sa carrière musicale, Natalie Imbruglia était déjà célèbre dans son Australie natale – non pas en tant que chanteuse mais en tant que star du feuilleton australien à succès « Neighbours ». En conséquence, elle avait déjà un public intégré – Down Under, au moins – lorsqu’elle a sorti son premier album en 1997, « Left of the Middle ». Le premier single de l’album, « Torn », a atteint la deuxième place en Australie et est devenu un succès mondial. Imbruglia a sorti de nombreux albums et singles après cela, mais rien qui n’ait eu l’impact de « Torn ».
Elle a également continué à jouer, mais à un certain moment, l’incapacité de se connecter avec les auditeurs comme elle l’avait fait avec « Torn » s’est avérée frustrante – à tel point qu’elle a décidé de s’éloigner de la musique. « Oh ouais, j’ai arrêté. Effectivement, dans ma tête, je ne revenais pas à la musique », a-t-elle déclaré au Guardian. En fin de compte, cependant, elle a refusé de se laisser définir par le succès – ou son absence. « J’ai réalisé [music] est mon premier amour », a-t-elle expliqué. « Je ne suis peut-être pas la meilleure compositrice, mais ce que je suis est une communicatrice d’émotions et je pense que c’est valable. »
Après avoir sorti son sixième album studio, « Firebird », en 2021, Imbruglia a déclaré au Guardian qu’elle en était venue à apprécier à la fois les points bas et les points hauts de sa carrière, que le succès de « Torn » représentait certainement. « Je pense que les hauts et les bas que j’ai traversés m’ont amené là où je suis maintenant », a-t-elle expliqué.
Un peu de … Lou Bega
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En 1999, il était presque impossible d’allumer une radio sans entendre le « Mambo No. 5 (A Little Bit Of …) » aux accents latins du chanteur d’origine allemande Lou Bega. Un remake vaguement conçu d’une chanson cubaine sortie en 1949, Bega a décroché l’or, passant 22 semaines sur le palmarès Billboard Hot 100, où la chanson a culminé au n ° 3. Bega a sorti beaucoup plus de singles dans les années 2000, mais rien qui est même venu près d’égaler son premier succès. Pour Bega, il n’y avait pas de « Mambo n ° 6 », et le succès surprenant de ce single contagieux a marqué le point culminant de sa carrière musicale – le qualifiant de véritable merveille à un coup.
S’adressant à Vanity Fair, Bega a admis qu’il fut un temps où il ne savait pas si son plus gros succès était une bénédiction ou une malédiction. Comme beaucoup d’artistes qui entrent dans la catégorie des merveilles à un coup, il a finalement fini par l’apprécier. « Cela ne peut être qu’une bénédiction », a-t-il déclaré, « parce que cela a ouvert toutes les portes et changé toute ma vie. »
De la façon dont Bega l’a vue, la chanson a et continue d’offrir des opportunités qu’il n’aurait jamais connues sans elle. « Je reconnais que c’est ma chanson signature, et ce sera ma chanson signature », a déclaré Bega à Billboard. « Peu importe le nombre d’autres chansons que j’écris dans ma vie… c’est celle qui a eu le plus grand impact. Je dois donc l’aimer, et je l’aime… »
Barbiecore aime Aqua
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Alors que le film « Barbie » de 2023 s’est avéré être un énorme succès au box-office, il est facile d’oublier que 25 ans avant que le film mettant en vedette Margot Robbie ne fasse ses débuts, le groupe pop dano-norvégien Aqua a donné le ton avec le tube de 1997 « Barbie ». Fille. » Avec les paroles désormais emblématiques « Je suis une fille Barbie dans le monde de Barbie / La vie en plastique, c’est fantastique », la chanson est devenue un tube, tout en étant également assaillie de mépris par les critiques musicaux (un sondage des lecteurs de Rolling Stone, par exemple , a classé « Barbie Girl » comme la pire chanson des années 1990). Les lecteurs de Rolling Stone n’étaient pas les seuls à détester la chanson ; Mattel, producteur de la poupée en plastique, a poursuivi le label d’Aqua, MCA Records, alléguant que la chanson enfreignait le brevet de la société de jouets. Le label a insisté sur le fait que la chanson était une parodie, protégée par le premier amendement. Mattel a finalement perdu.
Dans une interview avec Rolling Stone, la star/productrice exécutive de « Barbie », Margot Robbie, a détaillé les discussions qu’elle a eues avec la réalisatrice Greta Gerwig à propos de l’inclusion de « Barbie Girl » dans le film. « J’étais comme, ‘Greta, comment allons-nous incorporer cette chanson? Nous ne pouvons pas faire un film Barbie et ne pas faire un clin d’œil à ‘Barbie Girl’ d’Aqua.’ Il doit être là-dedans. Et [Greta] était comme, ‘Ne vous inquiétez pas, nous allons trouver un moyen cool de l’incorporer' », se souvient Robbie.
Bien que la chanson n’apparaisse pas dans le film « Barbie », le film présente « Barbie World », la collaboration Nicki Minaj-Ice Spice qui présente les deux rappant sur l’air original d’Aqua.
Sex and Candy de Marcy Playground a rendu la tâche difficile pour un suivi
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En 1997, les rockeurs alternatifs post-grunge Marcy Playground ont sorti leur premier album éponyme et ont capturé l’air du temps avec le single « Sex and Candy », un succès instantané à la radio universitaire avant de se frayer un chemin dans le Top 40. Le leader du groupe, John Wozniak – qui a écrit et chanté la chanson – a admis que le succès immédiat du single n’était pas quelque chose qu’il avait vu venir. « Je suis vraiment surpris qu’il ait touché tant de gens », a-t-il déclaré au Los Angeles Times. « C’est un peu décalé, ce qui a probablement beaucoup à voir avec ça. C’est vraiment différent de tout le reste à la radio. »
Le deuxième album du groupe, « Shapeshifter », s’est avéré être assez raté pour qu’ils soient abandonnés par leur label, Capitol. Leurs prochaines sorties étaient indépendantes et Marcy Playground n’a jamais retrouvé le succès du premier single du groupe.
S’adressant au Worcester Telegram and Gazette, Wozniak a expliqué les avantages et les inconvénients d’avoir son tout premier single devenant un énorme succès. « C’était une bénédiction, bien sûr. L’obstacle était qu’il était si gros », a-t-il déclaré, expliquant qu’il y avait d’autres singles prêts à sortir, mais que le label hésitait à les sortir alors que « Sex and Candy » brûlait encore. les graphiques. « À un moment donné, Capitol Records a appelé et a dit: » John, je ne peux pas obtenir le [radio] les gars d’arrêter de jouer ce single' », se souvient-il.
Le succès aigre-doux de The Verve
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Le groupe de rock britannique The Verve avait déjà sorti deux albums ratés lorsqu’ils ont sorti leur troisième « Urban Hymns » en 1997. Le premier single, « Bitter Sweet Symphony », était un hommage accrocheur au psychédélisme des années 1960 qui sonnait à la fois familier et frais (ce qui n’est pas surprenant, si l’on considère que la mélodie est tirée d’un extrait de « The Last Time » des Rolling Stones). Après avoir grimpé dans les charts britanniques, « Bitter Sweet Symphony » a finalement atteint la 12e place du Billboard Hot 100.
Le groupe n’a pas sorti d’autre album pendant une décennie, avec leur quatrième album – « Forth » – arrivant à DOA en 2008. La raison du retard était la longue bataille juridique de 20 ans que le groupe a dû affronter à propos de l’échantillon des Stones dans « Bitter ». Douce symphonie. » Il s’est avéré que le groupe avait autorisé un arrangement orchestral de « The Last Time » enregistré par Andrew Loog Oldham, qui avait été le manager des Stones dans les années 60. Cependant, Allen Klein, la figure litigieuse de l’industrie musicale qui a repris les affaires des Stones après leur séparation d’Oldham (et qui a également joué un rôle majeur dans la rupture des Beatles), a poursuivi The Verve et leur label, les accusant de plagiat. pour avoir utilisé plus de la chanson qu’ils n’en avaient autorisé.
The Verve s’est finalement installé, accordant des crédits d’écriture à Mick Jagger et Keith Richards, qui ont récolté les redevances de « Bittersweet Symphony ». En 2019, cependant, Richard Ashcroft de The Verve – qui a écrit et chanté la chanson – tweeté que Richards et Jagger lui avaient gracieusement remis leur part des redevances.
